FILARMONICA-КВАРТЕТ УСПЕШНО ЗАВЕРШИЛ ГАСТРОЛЬНЫЙ ТУР ПО РОССИИ

        С программой «Приношение королям», посвященной камерным шедеврам композиторов-классицистов, музыканты квартета Filarmonica покорили слушателей Омска, Челябинска и Екатеринбурга.
       

"Filarmonica-квартет" в Екатеринбурге

        Гастрольный тур (с 22 по 25 сентября) состоялся при поддержке Министерства культуры РФ в рамках проекта «Всероссийские филармонические сезоны», организованном Московской филармонией. Благодаря высокому профессионализму и исполнительскому мастерству, музыканты в четвертый раз приняли участие в уникальном творческом проекте, направленном на возрождение активной концертной деятельности на территории России и обеспечение равного доступа к культурным ценностям для жителей различных регионов страны. С каждым годом география проекта расширяется, позволяя слушателям соприкасаться с искусством выдающихся музыкантов и с новыми интерпретациями лучших образцов классической музыки.

        По завершении гастролей своими впечатлениями о выступлениях поделился художественный руководитель квартета Filarmonica, народный артист России Валерий Карчагин:

— Первоначально мы предлагали на выбор несколько программ из произведений Яначека и Дворжака, но организаторы остановились на венских классиках. Ввиду этого программа «Приношение королям», с которой мы поехали на гастроли, оказалась принципиальной для меня и для моих коллег. Квартетный жанр очень хрупкий, и показывать слушателям произведения Моцарта, Гайдна и Бетховена для нас, профессионалов, всегда представляется ответственным и амбициозным в плане интересной творческой интерпретации, чтобы и слушатели откликнулись, и сами музыканты получили приятные эмоции от общения с публикой. Конечно, начало сезона и тот факт, что мы давно не общались с нашими слушателями в Омске, Челябинске и Екатеринбурге, привнесли благотворный ажиотаж в ожидаемые концерты. После долгого гастрольного перерыва это было действительно событийно, и в то же время сложно, ведь камерное музицирование ставит большие задачи для гастролирующих профессиональных музыкантов. Программа принципиальна еще и тем, что для любого струнного квартета интерпретация венских классиков — это определенный показатель качества коллектива и, судя по откликам слушателей, наше исполнение нашло отражение в их сердцах, чему я очень рад. Было много новой публики и в органном зале Омска, и в больших филармонических залах Челябинска и Екатеринбурга, мы всегда это ощущаем, если слушатели начинают аплодировать между частями. К слову, этой же программой в скором времени мы откроем свой абонементный сезон в Новосибирской филармонии. Теперь с уверенностью можно сказать, что концертная жизнь началась, и началась она очень активно!
       

        Во всех городах публика встречала и провожала артистов «Filarmonica-квартета» бурными овациями. Также слушатели обменивались откликами в социальных сетях, отмечая мощную исполнительскую энергетику и яркое эмоциональное послевкусие.

        Для новосибирских ценителей камерной музыки на сценах Камерного зала филармонии (8 октября) и Дома ученых Академгородка (7 октября) Filarmonica исполнит квартеты-послания Гайдна (ор. 33, № 3 «Пташка» из «Русских квартетов»), Моцарта (KV 575, № 21 «Прусский») и Бетховена (№9, ор.59 (№ 3) «Разумовский»).
        30 сентября совместно с лектором-музыковедом Мариной Якушевич на Круглой сцене Государственного концертного зала им. А.М. Каца коллектив представит публике программу под названием «Осенние эскизы» из цикла «Камерные вечера: поэзия струнных», где прозвучат сочинения Вивальди, Моцарта, Дебюсси и Шостаковича.

Маргарита Мендель
частный журналистский проект notes Musica opus

ДОСТОЕВСКИЙ В СИБИРИ: ФИГУРА ПИСАТЕЛЯ, СОБРАННАЯ ИЗ ПАЗЛОВ ИСТОРИИ

        В рамках международного культурного центра «Достоевский+» в кинотеатре «Победа» 23 сентября состоится премьерный показ фильма «Достоевский в Сибири». Короткометражный документальный фильм посвящен каторжно-ссыльному периоду жизни гения русской литературы. Эта часть истории начинается с момента, когда двадцативосьмилетнему Достоевскому за несколько минут до расстрела смертную казнь по приказу Николая I заменяют каторгой в Омском остроге.     

        Автор идеи и сценария киноленты — доцент кафедры журналистики НГПУ, создатель документальных фильмов и телепрограмм Елена Агамян. Съемочной группе во главе с режиссером Тамарой Саралидзе удалось создать художественное кинематографическое произведение, главным образом приуроченное к 200-летию со дня рождения великого русского писателя и мыслителя, классика мировой литературы. Кинолента повествует об актуальных проблемах и жизненных коллизиях, перешедших из XIX века в реалии современного мира — фильм «Достоевский в Сибири» об извечном противостоянии человека и судьбы, о внутренних и внешних противоречиях души и, конечно же, о любви.

        Основные вопросы киноленты посвящены периоду жизни писателя в Сибири: насколько велико было влияние каторги и военной службы на творчество и, главное — смог бы Достоевский создать все то, что было написано после тяжелого сибирского десятилетия, если бы судьба предоставила ему возможность остаться в Петербурге? Отношение Достоевского к Сибири отмечено в разных книгах, особенно в «Записках из Мертвого дома», где он пишет: «…но даже со многих точек зрения в Сибири можно блаженствовать… земля благословенная, надо только уметь ею пользоваться…». И все это несмотря на цельное впечатление — «тяжелое, однообразное, удушающее», преследовавшее Достоевского, как каторжная тень, всю оставшуюся жизнь.

        Две эпохи, два временных пласта — XIX и XXI век — переплетаются в фильме наряду с темами, тревожащими людей по сей день: христианство, преданность Родине, самопожертвование, прощение и духовное воскресение — идеями, являющимися постоянными спутниками творчества Федора Михайловича.

        Экспертами (без комментариев которых фильм не приобрел бы столько фактологических граней) выступили Ирина Мирович (старший научный сотрудник Литературно-мемориального музея Ф.М. Достоевского, г. Новокузнецк), Евгений Панишев (историк, г. Тобольск), Татьяна Грязнова (историк, г. Тобольск), Андрей Прикотенко (главный режиссер театра «Старый дом») и Виктор Вайнерман (директор Гослитмузея им Ф.М. Достоевского, г. Омск). В роли рассказчика истории Достоевского выступила ведущая ГТРК «Новосибирск» Дарья Швыдкая.

        «Достоевский в Сибири» — фильм-коллекция: коллекция судеб, мнений и их отражений в XXI веке. Но если художественное кино воспринимается как инструмент рефлексии, с помощью которого можно сбежать от действительности, то документалистика — это основа действительности, преподнесенная с убедительностью репортажа, она заставляет зрителя задумываться и размышлять. В скором времени зрители смогут увидеть этот фильм на телеканале «Россия 1».

        Однако, эта короткометражная лента, является не единичным результатом слаженной работы съемочной группы. На самом деле получилось два полноценных фильма — совершенно разных по характеру, взятым историческим эпизодам и интерпретации материала. Второй пятидесятиминутный фильм о Достоевском — «Люба» — наполнен элементами театрализации и снят в формате экскурсии по городам десятилетней сибирской ссылки Федора Михайловича.

       

        Режиссерская метафора, на которой выстраивается фильм — зеркальность, причем как контекстная, так и зримая, достигающаяся за счет отражений в настоящих зеркалах и их декорационной смены. В первую очередь, зеркало считывается как символ истины, символ души и ее отражения; через зеркала вызывают духов умерших, зеркала занавешивают, когда усопший до девяти дней находится рядом с живыми. Зазеркальный мир — это инверсия, к которой обращаются в поиске ответов из прошлого, когда, выходя за пределы физического, смотришь на себя со стороны. Так происходит и с главной героиней — Любой (в исполнении выпускницы НГТИ Марии Жаворонковой): она выходит из зазеркалья прошлого и оказывается в урбанистической реальности современного Новосибирска: в пуховике, кроссовках и в кандалах. Метафорически «Любовь» — это еще и триединство образов: любви к Родине (через возникающую в письмах фразу «люба мне Россия»), к женщинам сердца и имени дочери Достоевского — Любы, Любочки, Любови Федоровны, фильмографическая интерпретация книги которой («Мой отец Федор Достоевский») легла в основу фильма.

        В своем издании французская мемуаристка представила основные вехи биографии отца, исходя из воспоминаний и семейных преданий, рассказов матери, а также материалов домашнего архива, но здесь важно учитывать и помнить, что Любовь Достоевская потеряла отца в возрасте одиннадцати лет, еще и поэтому призма личного затмевает многое до степени одиозности. Люба — образ собирательный, она под стать зеркалам — доппельгангер. Именно Люба позволяет взглянуть на биографические перипетии отца под другим углом: неосознанного самоанализа, самоуглубления, болезненной экзальтации, чувства ревности и даже ненависти — особенно к первой жене писателя (несмотря на то, что Любовь Достоевская появилась на свет спустя пять лет после смерти Исаевой Марии Дмитриевны). Люба раздражает и в то же время увлекает (чего без актерской манкости и буквально «вживления» в роль исполнительницы главной роли не произошло бы), сочетая условность восприятия с бескомпромиссностью.

       

        Чтобы посмотреть глазами Любы на предновогодний Новосибирск, на города ссылки Достоевского — Тобольск, Омск, Новокузнецк и на то, как «праздник жизни растворяется в темной дали», слово об искусстве предоставляется самому искусству, а точнее театру. Интертекстуально в фильме используются фрагменты спектакля «Идиот» театра «Старый дом» (режиссер Андрей Прикотенко), и тут же монолог Мышкина вторит концепту киноленты: «…а вся площадь залита водой, собор как будто бы двоится, и тем самым отображает главную идею христианства — двойственность этого мира». Впрочем, благодаря голосу Тимофея Мамлина (исполнившего в «Идиоте» роль Ипполита Терентьева), театр никуда не исчезает, он остается в фильме, даже когда выходит из кадра. Прием наложения мультипликационной графики еще больше акцентирует внимание на экранных цитатах.

       

Яркий, напыщенно театрализованный, будто из оперы-буффа персонаж Петрашевского, образ которого фильме воплотил студент театрального института Сергей Смелых — с гримом и накладками (работа Юлии Дейнеко) — заведомо гиперболизирован, неаккуратен, манерно-эксцентричен и показателен: с одной стороны, как антитеза Достоевскому, а с другой — как его неотделимый от жизни близнец (публицист и вольнодумец Петрашевский на два дня младше Достоевского). В киноленте Петрашевский остается верен утопическим идеям футуристов, одной из которых было создание фаланстера Фурье — коммуны крестьян и интеллигенции. Этот сквозной лейтмотив-перевертыш просачивается сквозь двести лет в настоящее: а как иначе приучить читать Достоевского, в первую очередь, молодежь? Например, взять тракториста Мишу (в жизни — Михаил Литвинов) из села Бородавкино, что находится в 85 км от Новосибирска. Миша предпочитает фэнтези, тогда как библиотекарь НГОНБ Сережа, встречающий Любу под «Лебедя» Сен-Санса, боготворит романы Достоевского. Но как открыть Мише мир Федора Михайловича? Безусловно, через театр. К слову, нельзя не отметить особой роли областной библиотеки — специально для фильма она стала не только съемочной площадкой и предоставила свой библиомобиль для сцены, где совершается поездка в область (роль Сережи исполнил действительно работающий в НГОНБ библиотекарь Сергей Петунин), но и предоставила ценный артефакт — трехтомное издание «Евангелия Достоевского», в котором первый том — это факсимильное издание «Евангелия», сопровождавшее писателя на каторге (в остальных томах находятся комментарии к пометкам писателя и факсимиле каторжной «Сибирской тетради»).
       

        Новым ключом к потайным дверцам творчества Достоевского будут размышления психолога Антона Тараканова — об отцовском комплексе из категории «отец-царь-бог» («…любовь к отцу, не оправданная отцом, есть нелепость, есть невозможность»), о Сибири как о феномене места силы, о ненавистническом царском режиме (Достоевский застал на престоле четырех царей: Александра I, Николая I, Александра II и Александра III, положившего начало строительству Транссибирской магистрали), об отношениях писателя с пасынком, письма к которому литературоведы называют «романом воспитания», о любовном треугольнике и о самой любви, как о внеземном даре.

        Фигура Достоевского в фильме собирается из пазлов истории и человеческой эмпатии, он — человек, ищущий веру и постигающий самого себя через других: «…человек есть тайна, я занимаюсь этой тайной, ибо хочу быть человеком. Меня называют психологом, неправда, я лишь реалист в высшем смысле, то есть изображаю все глубины души человеческой». К этому призывают и авторы неигрового кино: познать себя через творчество Федора Михайловича: ведь переступив один раз через эту грань, пусть в чем-то пересилив себя, уже невозможно будет вернуться прежним и отразиться в зеркале таким, каким ты был до знакомства с писателем.
       

        Картина «Люба», как и короткометражная лента «Достоевский в Сибири», способна послужить экранизированным дополнением к урокам литературы у школьников и студентов, да и вообще заинтересовать всех, кому любопытна история Сибири и мира, которые никогда не поздно изменить в лучшую сторону, начав с самого себя.

Маргарита Мендель, «Новая Сибирь»
На фото: кадры из фильмов

ЗВЕЗДНЫЙ АТЛАС НОВОСИБИРСКОЙ ФИЛАРМОНИИ

        Новосибирская филармония открыла свой 85-й сезон контрастными юбилейными программами двух легендарных ансамблей — Insula Magica и Академического симфонического оркестра.
       

        Концертный репертуар филармонии можно сравнить со звездной картой неба, где каждый коллектив подобен созвездию в собственной системе музыкальных координат.

        Как известно, самые яркие звезды образуют характерные фигуры — в музыкальном эфире это различные ансамбли со своим спектром свечения. В новосибирской филармонической эклиптике девятнадцать уникальных созвездий-коллективов, каждый из которых создает собственную звуковую галактику, заслуживает аплодисментов и наилучших условий для творчества, оставаясь путеводными звездами как для музыкальных паломников со слушательским стажем, так и для юных путников, которым только предстоит знакомство с музыкальным космосом — таким разным, непостижимым и непередаваемо захватывающим.

        Северное и южное полушария филармонии — Камерный зал и Концертный зал имени Арнольда Каца — в проекции юбилейных программ открыли сразу несколько сфер — ранней аутентичной и классической симфонической музыки.

        Первая звезда — Insula Magica — зажглась на сцене Камерного зала обновленной музыкально-исторической программой «Эхо Полтавы» (впервые исполненной еще в 1999 году) в честь двойного юбилея — 40 лет со дня образования и 30 лет со дня профессиональной работы в Новосибирской филармонии ансамбля ранней музыки под управлением заслуженного артиста России Аркадия Бурханова. В преддверии музыкальной составляющей прозвучало пожелание художественного руководителя филармонии, Владимира Михайловича Калужского:

— Ни у одной филармонии Российской Федерации нет подобного коллектива. Новосибирская филармония гордится и любит этот коллектив на протяжении более чем тридцати лет. Мы от всей души желаем музыкантам благополучия, здоровья и творческих успехов.
       

        Название юбилейной программы, приуроченной к 300-летию окончания Северной войны, отображает суть: петровская эпоха оставила ценное музыкальное наследие своим потомкам, проникновение светских европейских веяний в русскую культуру оказали влияние на произведения последующих десятилетий. Музыка того времени и постпериода от мирного договора, как еще один культурно-исторический итог вершения судеб людей и держав — Российского царства и Швеции (навсегда утратившей этот статус), стала основой ретроспективного музыкального проекта с элементами театрализации. Центральное произведение концерта — тетрадь гобоиста шведской армии Густава Блидстрёма — «Тобольский манускрипт» от 1715 года, который сохранился в подлиннике.

        Как отмечает кандидат искусствоведения, солистка Insula Magica Анна Недоспасова, сборник включает в себя марши, танцевальные мелодии, менуэты, шведские танцы, полонез, саррас, а также гавоты, жиги и куранты. Манускрипт содержит самое большое рукописное собрание польских танцев того времени, что говорит об их популярности в России Петровской эпохи. Музыку, которая вероятно могла звучать на балах, ассамблеях, на парадах, полях сражений и в дни побед исполнялась этим вечером при участии студии исторического и ирландского танца «Медиваль» (особенно хочется отметить яркую, красочную фолию из манускрипта). Прозвучали песни и канты неизвестных авторов XVIII века — «Орле Российский», «Буря море раздымает», «Изми мя боже, вопией Россия», «Весна катит, зиму валит», элегическая «Ах, свет мой горький» и другие, шведская кантата Singer fröhlich Gott Готтфрида Линдеманна, виватные канты на заключение Ништадтского мира, а также оригинальное раннее сочинение, по мнению некоторых музыковедов считающееся одним из первых образцов инструментальной программной музыки — три пьесы из Каприччио «На отъезд возлюбленного брата» И.С. Баха.

        Слушая пение артистов ансамбля, их игру на аутентичных инструментах в совместном музицировании с коллегами из других коллективов филармонии, невольно задаешься вопросом камерности жанра, его обособленности, его эксклюзивности и даже экзотичности, так как наш слух, вынужденный уживаться с шумом городской жизни, порой превышающей допустимые границы звуковысотности, уже отвык от тихой, почти медитативной музыки, первозданного и чистого звучания лютни, лиры, клавесина или же готической арфы — инструментов, требующих тонкого восприятия музыкальной материи, внутренней открытости и спокойствия, ведь звучание большей части старинных инструментов «расщепляется» в пространстве — уже на расстоянии трех-четырех метров их становится не слышно.
       

        Инструменты-первоисточники, созданные по принципу оригиналов, всегда несут характерную энергетику в зал, «отогревая» души слушателей — наверное, в этом, так же, как и в мастерстве исполнителей, в их «почерке» и неповторимом стиле, заключена магия ранней музыки. Тесное переплетение традиций из культурных пластов разных стран, возникающие метафоры и аллюзии на древнерусские сказы, монастырские песнопения в контрасте с западноевропейской остинатностью и чеканностью дарит ощущение событийности, приближенности к эпохе, как короткометражное путешествие во времени.

        Insula Magica — коллектив, с творчеством которого необходимо знакомиться ради принятия самого себя и познания народности, ради истоков культуры и сохранения ее традиций. Музыканты ансамбля готовы создавать и дарить яркие и необычные программы, как это было на протяжении последних сорока лет, реконструируя и оживляя нашу историю, тем самым меняя нас и наше будущее в лучшую сторону, и это на самом деле прекрасно.

        Вторая звезда-сверхгигант, озарившая своим сиянием сцену Концертного зала имени Арнольда Каца — Новосибирский академический симфонический оркестр, который отпраздновал масштабной монографической программой под названием «65 триумфа» свой юбилей. После вручения благодарственных писем и поздравлений от официальных лиц, отметивших большой вклад в культуру города, который внес оркестр и его создатель — Арнольд Михайлович Кац, на торжественной церемонии к музыкантам и слушателям обратился художественный руководитель и главный дирижер оркестра — Томас Зандерлинг:

— Это один из самых лучших оркестров России, с большими традициями, его заслуги известны и перечислять их не надо. Счастье музицировать и выступать с этим оркестром и в Новосибирске, и за границей.
       

        Музыкальная летопись оркестра ведет начало от 1955 года, когда в связи с распоряжением Совета Министров, Министерство культуры издало приказ: «Организовать симфонический оркестр при Новосибирской филармонии с 1 января 1956 года и возложить на него обслуживание трудящихся Сибири и Дальнего Востока». Возглавил оркестр выпускник факультета симфонического дирижирования Ленинградской консерватории Арнольд Кац. Невозможно узнать наверняка, какое количество концертов и гастрольных туров было сыграно коллективом, сколько талантливых музыкантов принимали участие в жизни оркестра, какое невообразимое количество часов было затрачено на репетиции da capo al fine, чтобы сегодня мы могли видеть и слышать оркестр в том творческой составе и с тем качеством звучания, которым восхищаются российские и зарубежные слушатели и коллеги.

        Программу юбилейного концерта составили сочинения, исполненные на первом историческом выступление коллектива в поселке Чеснаковка в 1956-м году: Концерт №1 для фортепиано с оркестром и Симфония №5 Петра Ильича Чайковского (дирижер Кирилл Кондрашин, солист Эмиль Гилельс). Ныне солирующая партия была доверена молодому французскому пианисту, лауреату XV Международного конкурса имени Чайковского Люка Дебаргу. Жизненный путь, полный творческих перипетий, нестандартного восхождения к своей исполнительской звезде: с одиннадцати до пятнадцати лет Люка обучался фортепиано при Муниципальной консерватории, потом, приостановив обучение музыке, но при этом не бросая инструментальные занятия, поступил на литературный факультет, окончив его со степенью бакалавра. В двадцать четыре года пианист становится главным открытием жюри и «потрясением публики» конкурса Чайковского, до участия в котором Люка ни разу не играл с оркестром. И теперь пианисту выпала честь выступить на новосибирской сцене с именитым оркестром Сибири. Нужно понимать, что выступление на юбилее коллектива такого уровня — прежде всего, огромная ответственность и творческое испытание, которое невозможно пройти без волнения, ведь венценосные лавры и слава никогда не падают с неба, а музыкальное искусство – это постоянный труд. Но кажется, Люка Дебарг обладает природной сверхчувствительностью ко всему прекрасному, его эмпатийная пластичность, исполнительская естественность (не без импровизации даже в классике), притягательность и просто человеческое обаяние действительно импонируют и открывают слушателям тот исполнительский мир, ради которого можно простить небольшие технические огрехи, мир, в котором зарождается настоящее искусство.
       

        Тандем с Новосибирским симфоническим оркестром подарил слушателям скорее импрессионистическую, нежели романтическую палитру красок и эмоций, не имея в виду отсутствие детальных прорисовок, как раз наоборот. Это выражается скорее в растворении четкой формы и воссоздании ее заново посредством собственного впечатления и чувствования русской музыки, в струящейся подвижности лирической трактовки, без нажима и эксцентрики, когда амплитуда соотношения клавиш и пальцев на фортепиано находит «золотое сечение». Оркестр предоставил чистую и сбалансированную поддержку, тем самым усилив выразительность соло. Жаль, что в противопоставление возникает пресловутое «но», когда некоторая часть публики приходит на концерты далеко не ради искусства, и мелодии невыключенных телефонов (да еще и во время каденции, где пианист остается с инструментом тет-а-тет) уже входят в ранг печального наследия века технологий. После того как публика выразила свою сердечную признательность продолжительными аплодисментами, на бис Люка Дебарг исполнил «Сентиментальный вальс» Чайковского — причем совершенно замечательно, заверив, что интровертная уединенность sotto voce, без скандирующих интонаций, способна рассказать о многом.

        В Пятой симфонии (с ее знаменитым Andante cantabile, где нить хорала струнных переходит к проникновенному соло валторны) оркестр под управлением маэстро Томаса Зандерлинга звучал поистине роскошно, резонируя мощным и единым потоком. Именно такие концерты дают ощущение избавления от душевных тревог, подобно эпикурейской атараксии, и дарят чувство одухотворенности, с которым выходишь из зала уже немного другим человеком. На бис музыканты исполнили один из любимейших публикой фрагментов балета «Щелкунчик» pas de deux из второго акта, и сколь многогранен гений Чайковского, сколь неисчерпаема красота музыки, столь бесконечно обретение радости и гармонии.

        В скором времени юбилейное гало высветит еще одно вокальное созвездие филармонической звездной карты — в ноябре свое сорокалетие отпразднует Новосибирская хоровая капелла.

Маргарита Мендель, «Новая Сибирь»
Фото Михаила Афанасьева

НОВОСИБИРСКАЯ ФИЛАРМОНИЯ ОТКРЫВАЕТ НОВЫЙ СЕЗОН

        Новый сезон Новосибирской филармонии будет богат на фестивали и юбилейные программы прославленных сибирских коллективов.

— 85-летие нашей организации — очень важное событие для города, потому что Новосибирск и его филармония исторически неотделимы, — сказал во время традиционной пресс-конференции художественный руководитель филармонии Владимир Калужский. — Существование онлайн-трансляций, безусловно, позволяет людям увидеть и услышать то, что они никогда не видели, но первоначальная и главная задача филармонии как концертного комплекса заключается в том, что человек должен слушать живое исполнение.

        По традиции новый филармонический сезон откроет концерт Новосибирского академического симфонического оркестра под управлением его художественного руководителя Томаса Зандерлинга: 11 сентября совместно с коллективом выступит известный французский пианист, лауреат XV конкурса им. П.И. Чайковского Люка Дебарг. Генеральный директор филармонии Александр Бочарников отметил, что пианист впервые посетит Новосибирск, специально приехав в Россию ради этого концерта, имеющего особое значение для филармонии.

        Нынешний сезон знаменателен чередой юбилеев различных коллективов: 10 сентября музыкально-исторической программой «Эхо Полтавы» свое 30-летие отметит ансамбль ранней музыки Insula Magica (художественный руководитель — заслуженный артист России Аркадий Бурханов), в ноябре 40-летие отпразднует Новосибирская хоровая капелла (художественный руководитель и главный дирижер — народный артист России Игорь Юдин). В этом же сезоне, но уже в 2022-м году 95 лет исполняется Русскому академическому оркестру (под управлением народного артиста России Владимира Гусева), весной тридцатилетие творческой деятельности отметит известный и любимый в России и за рубежом квартет Filarmonica (создатель и художественный руководитель — народный артист России Валерий Карчагин), также тридцатилетие отметит вокальный ансамбль заслуженного артиста России Павла Шаромова.

        Яркие концертные программы и премьеры ждут слушателей на фестивалях филармонии. До конца 2021-го года состоятся четыре музыкальных форума, три из который пройдут в рамках национального проекта «Культура». Международный джазовый фестиваль SibJazzFest-2021, полная программа которого станет вскоре известна, развернется с 13 по 24 октября. Ноябрь порадует публику сразу двумя фестивалями — хоровой музыки Credo Chorus и Вторыми «Сибирскими Валторновыми днями». Декабрь будет ознаменовал музыкальными и театральными программами международного Рождественского фестиваля искусств, проходящего каждые два года. Во второй половине концертного сезона предполагается провести фестиваль «Струны Сибири», в марте-апреле — Транссибирский арт-фестиваль Вадима Репина, в июне — цикл детских концертов «Когда не надо в школу» и, возможно, фестиваль «На ступенях», небольшой альтернативой которому из-за пандемии в прошедшем сезоне стали концерты «Тихого дворика».

— Большое значение мы придаем фестивалю «мARTовский KOD», — поделился планами Владимир Калужский. — Пять-шесть дней первой декады марта будет исполняться музыка и двадцатого, и двадцать первого столетия. В нынешнем сезоне надеемся, что к нам приедет Антон Танонов — один из ведущих композиторов своего поколения».

        Выполняя все требования Роспотребнадзора, филармония сохраняет 50-процентную заполняемость залов, сложной остается ситуация с приглашением иностранных исполнителей. Тем не менее строятся планы зарубежных гастролей камерного и симфонического оркестров. «Выезд на гастроли — это важное событие, но не всегда от нас зависящее, так как время диктует новые условия. НАСО планирует 28 марта 2022-го года вновь выступить в Москве, на сцене концертного зала им. Чайковского. С русскими программами коллектив ждут в Австрии (февраль) и в Великобритании в большом гастрольном туре (май). Но это пока только планы», — поделился Александр Бочарников. Гастрольный сезон начнется уже в сентябре этого года: квартет «Филармоника» отправится в региональный тур, чтобы выступить на сценах Омска, Екатеринбурга и Челябинска.

        Также в новом сезоне продолжит свою работу проект «Виртуальный зал», где будет осуществляться показ записей музыкальных спектаклей и концертов Московской филармонии.

        На базе филармонии министерство культуры Новосибирской области создало проектный офис по внедрению виртуальных концертных залов в районы области, немаловажное внимание будет уделяться и проекту «Пушкинская карта». Владимир Михайлович Калужский провел историческую параллель, назвав идею внедрения «Пушкинской карты» «аналогией системы Древних Афин, когда всем гражданам выдавали средства, чтобы они свободно посещали театр и таким образом слушали Еврипида, Софокла и Эсхила». Но в отличие от греческой ситуации, у нынешних юных слушателей есть выбор разных видов искусств.

— Основу нашей деятельности составляют циклы абонементных концертов. Абонементная система была придумана еще в период появления первых оперных театров, когда они стали общедоступными. Филармонические абонементы по подписке, введенные во времена Моцарта и Бетховена, создавались для публичного исполнения музыки, а с внедрением филармонических обществ — прообраза филармонии, появились и абонементы в современном смысле этого слова. Абонемент представляет собой прежде всего социальную сторону планирования слушательского отдыха. В прошлом сезоне нам удалось выполнить все свои обязательства перед абонементодержателями, благодаря титаническому труду коллективов, так как во всем мире «отдать» абонемент — это святое. Мы сохранили эту систему».

        В целом 85-й сезон Новосибирской филармонии обещает быть насыщенным и очень интересным по репертуару, несмотря на все «объективные и субъективные трудности».

Маргарита Мендель, «Новая Сибирь»
Фото Анны Батаевой

КРУПНОФОРМАТНЫЙ ДИПТИХ ОДНОГО МУЗЫКАЛЬНОГО ВЕЧЕРА

        Впервые в истории Новосибирской филармонии состоялся большой гала-концерт фестиваля Ильдара Абдразакова при участии оперных звезд и молодых вокалистов.

        Для двукратного обладателя Grammy, эксклюзивного артиста Deutsche Grammophon, исполнителя ведущих басовых партий на мировых сценах оперной культуры — La Scala, Metropolitan Opera, Мариинского и Большого театров — Ильдара Абдразакова выступление в Новосибирске стало дебютом. Дебютом феерическим и незабываемым, причем в полной мере и для его именного фестиваля, в четвертый раз собирающего на одной сцене признанных вокальных грандов и молодых, наиболее отличившихся участников мастер-классов.

        Незадолго до концерта художественный руководитель фестиваля признался: «Я много слышал о прекрасном Новосибирском симфоническом оркестре. На репетициях складывалось ощущение, что мы довольно давно работаем вместе. Это по-настоящему профессиональный оркестр высокого качества. Я очень рад возможности нашей совместной работы, для меня это большая честь».

        Международный музыкальный форум Ильдара Абдразакова за один вечер успел впитать в себя, сконцентрировать и выдать в зал энергетику и атмосферу полноценного двухнедельного фестиваля — настолько сильным было впечатление от программы, от творческой индивидуальности, многогранности и артистизма каждого исполнителя. Мощный оплот, музыкальный остов, на котором держится практически каждый крупный фестиваль филармонии, — Новосибирский академический симфонический оркестр, без которого уже невозможно представить культурную жизнь города. Этим вечером оркестр возглавил Михаил Грановский, унаследовавший все лучшее от своих менторов Геннадия Рождественского и Бориса Тевлина — мэтров русского симфонического дирижирования. Михаил Грановский, известный региональной публике по уникальным программам абонементов Новосибирского АСО (например, мартовская программа нынешнего года включала в себя премьеры сочинений трех Чайковских — Петра Ильича, Бориса Александровича и Александра Владимировича), давно завоевал восхищение аудитории и благосклонный интерес ко всему новоявленному, в чем нынешний концерт не стал исключением, несмотря на репертуар — сплошь вокальных «бестселлеров».

              Крупноформатный диптих программы из фрагментов русской и зарубежной оперной музыки включил в себя как сольные арии, ариозо и каватины, так и оркестровые номера. Гала-концерт был открыт блестящим фанфарным полонезом из оперы «Евгений Онегин» (в первом отделении Петру Ильичу была отдана особая дань почтения). Сбалансированно и эффектно звучал НАСО, слаженная работа оркестровых групп передавала эстафету плотного и густого по окраске голосоведения друг к другу — от зычной виолончельно-контрабасной линии к чистым и точным по артикуляции партиям скрипок в «облегающей» фонации духовых. Художественный руководитель и лидер фестиваля Ильдар Абдразаков вышел на сцену с арией Гремина, продолжая нить онегинской истории. Бархатная, пробирающая до мурашек басовая кантилена с выразительными баритоновыми верхами в известнейшей арии «Любви все возрасты покорны…» не могла не очаровать слушателей, и действительно были в зале и те, кто не смог сдержать слез. Можно было бы подробнее остановиться на вокальной стилистике и технической безупречности подачи звука, но ведь и без того известно, что мастерство певца как раз в той поре, когда остается лишь завороженно слушать и получать эстетическое блаженство, — впрочем, эффект от которого не рассеялся, когда с арией Ленского на сцену вышел частый гость НОВАТа тенор Дмитрий Корчак.

        Проникновенная лирика с затушеванной мягкостью ровной вокальной линии произвела ни с чем не сравнимое впечатление — зал-тысячник находился во владении артиста настолько, что ни шелеста программок, ни отзвука. Одухотворенный трагизм («Куда, куда вы удалились…»), доподлинно пережитый на сцене, наряду с мастерством и дает высокий художественный результат, из которого созидается настоящее искусство. Арией Елецкого («Я вас люблю, люблю безмерно…») музыкальный хронотоп перешел к опере «Пиковая дама». Обладатель лирического баритона Василий Ладюк чувственно, с великолепным объемом, с внутренним надрывом и нервом представил совершенно другую любовь — сострадающую, благородно томящуюся, без показного драматизма, с тонкой эмоциональной градацией и главное — с прекрасным монолитным оркестровым ансамблем. Участник образовательной программы — тенор Арсений Яковлев, являющийся действующим солистом оперной труппы Большого театра, по-своему интерпретировал знаменитое ариозо Германа («Прости, небесное создание…»), в концертном исполнении наделив образ актерской осязаемостью — психологически лаконично и не утрированно, используя фактурность мимики, жеста, собственного отношения.

        После была исполнена «Пляска скоморохов» (из музыки к сказке Островского «Снегурочка»), где оркестр залихватски рассыпал брызги звуков в витиеватом кружеве музыкального полотна Чайковского — щедро и тепло. Еще одна участница образовательной программы — сопрано Анастасия Лерман (ныне приглашенная солистка Большого театра) представила арию Марфы из оперы «Царская невеста» Римского-Корсакова, оставив приятную импрессию от гармонично переданного портрета — чистого, естественного, не отягощенного эксцентрикой. Удивительно красиво и характерно была прожита на сцене каватина Алеко из одноименной оперы Рахманинова Ильдаром Абдразаковым — идеально, когда вибрации на пианиссимо снисходят со сцены в зал, не теряя при этом тембральной сочности. Яркой экспрессивной кульминацией первого отделения стала ария Роберта (из оперы «Иоланта» Чайковского) — Василий Ладюк предстал перед слушателями в совершенно ином амплуа, но по-прежнему с великолепной фразировкой и пластичностью.

        Любимица публики — солистка Новосибирского театра оперы и балета, лауреат премии International Opera Awards как лучшая молодая певица года (2020-21) Василиса Бержанская под занавес первого отделения исполнила арию Иоанны из оперы «Орлеанская дева», нивелируя серебристое сопрано колоратурным меццо с элегантно собранным нижним регистром, да так, что дух захватывало, — смело, решительно, цельно по задумке.

        Второе отделение, полностью посвященное музыке композиторов Франции и Италии, открыла Анастасия Лерман арией Лакме из одноименной оперы Делиба — это был выход из зоны камерного комфорта, ибо партия, пестрящая сложностью и прихотливой виртуозностью, не потеряла своей изящности, богато украшенной «колокольчиковыми» колоратурными пассажами наряду с тонкой поэтичной оркестровкой. Арией Вертера Массне продолжил концерт Дмитрий Корчак, выход которого после первого отделения ожидался с нескрываемым меломанским любопытством.

        В элегической матовости пленительного звука, истаивающего на пиано, певец показал, насколько тонко следует чувствовать партию и каким мелодистом для этого нужно быть. Следующие три номера представили участники образовательной программы — уже знакомый публике Арсений Яковлев (он исполнил арию Шенье Джордано, выдав при этом максимум необходимого), а также участники новосибирского мастер-класса, состоявшегося накануне гала-концерта, — сопрано Виктория Шевченко (выпускница Уральской государственной консерватории) и баритон Андрей Меркульев (получивший вокальное образование в Новосибирской консерватории им. Глинки). Впервые выступив на одной сцене с симфоническим оркестром, по-академически аккуратно и выверенно, но не без волнения, Виктория Шевченко исполнила арию Микаэлы из оперы «Кармен» — даже через камерную завесу звука ощущался нарастающий исполнительский магнетизм, которому еще будет суждено раскрыться в полной мере. Ария Риголетто из одноименной оперы Верди в исполнении Андрея Меркульева стала мощным контрастом — гулким натиском, гротескным образом, исполински-язвительным шутовством — каким и должен быть герой «тройного несчастья» — это безусловная удача молодого артиста.

        Последний вокальный блок был представлен музыкой Россини: каватиной Фигаро буквально «взорвал» зал Василий Ладюк, начавший партию из условного закулисья сцены, да еще и в медицинской маске — легко, играючи, подтрунивая в то же время над самим собой в амплуа и пританцовывая, — он обозначил финал гала-концерта, обороты и градус которого теперь уже нарастали с небывалой остротой и ощущением живости происходящего. В карикатурно-комической ипостаси Дона Базилио предстал Ильдар Абдразаков — темпово подвижный, с театральным шиком и пылкостью, как бы это могло бы быть в оперной постановке.

        Еще одна вокальная рокировка, и на сцену вернулась Василиса Бержанская (на этот раз с каватиной Изабеллы) с артистической чуткостью, полностью раскрепостившись как меццо-сопрано, рафинируя звук в руладах и инкрустируя их динамическими волнами. Терцет «Паппатачи» из той же оперы «Итальянка в Алжире» ознаменовался вполне слышимым комментарием из зала одного из многочисленных студентов-вокалистов: «Ну держись, филармония», — вполне предугадав ту феерию, что поставил на сцене триумвират «Абдразаков — Ладюк — Корчак» с симфоническим оркестром. Театр на авансцене подхватывался ритмичными аплодисментами публики, плавно переходящими в овации стоя между несколькими бисами, среди которых была и неаполитанская песенка Funiculi funiculа — можно сказать, негласный гимн фестиваля, ставшего знаковым событием как для Новосибирска, так и для самих артистов. «Мы несемся, мы мчимся вверх…» — так и есть, ведь вслед за Новосибирском Abdrazakovfest проложит путь по гастрольной карте к Томску, Тюмени и Астрахани.

        Для симфонического оркестра Новосибирской филармонии гала-концерт стал заключительным восхождением на музыкальный Эльбрус: коллектив завершил сезон 2020/21 и уже готовится в сентябре представить программу, приуроченную к своему 65-летию, а также к открытию юбилейного 85-го концертного сезона филармонии вместе с французским пианистом Люка Дебаргом.

Маргарита Мендель, «Новая Сибирь»
Фото Михаила Афанасьев

ИРИНА ДМИТРИЕВА: Я УЧУ ЛЮДЕЙ ПРИНИМАТЬ И ЛЮБИТЬ СВОЙ ГОЛОС

        Преподаватель частной музыкальной школы рассказывает о специфике работы со студентами поколения миллениалов и о том, почему никогда не поздно начать заниматься музыкой.

        Ирина Дмитриева родилась в Новосибирске, уже во время обучения в музыкальном колледже стала преподавать скрипку — сперва в качестве репетитора и ассистента, а шесть лет назад стала штатным сотрудником новосибирской школы «Маэстро». Параллельно, выступая на сцене НОВАТа в составе хоровой студии Per aspera ad astra, начала преподавать вокал, успешно совмещая академическую манеру с эстрадной. Дипломант международного конкурса, участвовала в мастер-классах Захара Брона и Елены Баскиной.

— Школа позиционирует себя как частная alma mater для «людей разных возрастов и поколений».

— Да, это действительно так: у нас нет возрастного ценза, все зависит от конкретного педагога — готов ли он работать с определенной возрастной категорией или нет. Моя ученическая аудитория достаточно молода: самому младшему ученику по скрипке на данный момент пятнадцать лет, что касается вокала, то там я работаю с аудиторией от восемнадцати, и пока что пределом является рубеж сорока лет. Но был опыт работы и с людьми более старшего возраста.

— У вас большой коллектив? Какие направления реализует школа?

— На данный момент у нас трудятся около тридцати преподавателей. Если смотреть по направлениям, то популярнее всего, конечно же, вокал — в этой стезе работает самая многочисленная группа преподавателей. У нас есть несколько преподавателей по гитаре, три преподавателя по ударным инструментам, скрипка, баян, аккордеон, фортепиано, а также одно не музыкальное направление — курсы техники речи и логопедии.

— И единственный преподаватель скрипки…

— Это я.

— Одни выбирают скрипку, другие — вокал. В этом есть определенная взаимосвязь, может быть, связанная с характерами людей?

— Безусловно, это совершенно разные люди, совершенно разные типы личности. Наверное, здесь сама дисциплина диктует свои правила.

— Так называемая «элитарность скрипки» в том числе?

— Так даже принято считать. Вокал всегда кажется легче, он как минимум не требует дополнительных финансовых вложений — ты поешь и поешь. Многие приходят «поголосить», чтобы выпустить пар и эмоции, на скрипку же записываются те, кто более вдумчиво относятся к выбору инструмента. И, как правило, для людей скрипка — не первый инструмент в жизни, часто ей предшествуют такие инструменты, как гитара, флейта, фортепиано. Для кого-то скрипка была детской мечтой, что чаще всего и бывает. На вокал ко мне ни разу не приходили со словами «в детстве я очень хотел петь, но меня не пустили», потому как, если ты хочешь, то ты поешь независимо от музыкальной школы. Со скрипкой дела обстоят сложнее: в детстве с ней можно было познакомиться только в рамках обучения в ДМШ.

— Пандемия внесла изменения в работу школы?

— В первую очередь появились ограничения в плане социальной дистанции: мы стараемся соблюдать дистанцию между людьми в полтора метра, если позволяет ситуация, то и больше. Масочный режим введен на ресепшене, так как в условиях занятий не всегда удается его соблюдать, к примеру, на уроках вокала, там уже играет роль только социальная дистанция. Также всегда проверяем температуру у посетителей бесконтактным термометром.

— Даже скрипачи занимаются в масках?

— Некоторые да, в особенности иностранные ученики.

— Для детей возраста шести-семи лет обучение в музыкальной школе часто происходит по принуждению, а как обстоит дело с уже взрослыми учениками?

— Как правило, в работе со взрослыми такие моменты минимизированы, имеется в виду принуждение к чему-либо, потому что люди приходят заниматься уже с осознанием дела. Но все же крайне редко случаются подобные ситуации: например, когда человеку подарили сертификат на абонементное посещение определенного количества уроков, а он, мягко говоря, далек от музыки и не очень-то представляет, что со всем этим делать. В подобном случае человек не видит необходимости в выполнении тех или иных заданий, но, к счастью, большая часть учащихся добросовестно относится к занятиям, потому что перед ними определенная цель, которую они сами для себя ставят. Бывают также досадные исключения, когда человек хочет не столько научиться играть на скрипке или петь, а говорить, что он учится петь или играть — это уже другая история, связанная с вопросом приоритетов.

— Действительно, для некоторых людей научиться играть на каком-либо музыкальном инструменте — мечта, но как только начинаются первые уроки с заучиванием нот, и человек сталкивается с реальностью — путь к мечте внезапно обрывается.

— Такой, если можно сказать, «отбор» проходит еще на этапе консультации, где человек знакомится с инструментом и педагогом, узнает о дальнейшем ходе занятий. На первой встрече я всегда стараюсь дать возможность человеку подержать инструмент в руках, послушать его — то есть столкнуться с ним в непосредственной близости. Так, одни были не готовы услышать столь громкие звуки под ухом, другие, преимущественно девушки, — не хотели расстаться с длинным маникюром, которого скрипка не допускает. В процессе занятий «отказ от мечты» происходит редко, это скорее сказывается на интенсивности интереса к процессу — есть и увлекательные моменты, и более рутинные, а рутина, как известно, имеет свойство надоедать. Но все люди разные, и то, что одному человеку покажется рутиной, для другого будет наоборот в кайф, ведь кому-то нравится входить в медитативное состояние в процессе.

— Часто ли приходится встречаться с комплексами и внутренними надуманными ограничениями людей, как с этим справляетесь?

— У взрослых людей встречается гораздо больше комплексов, банально потому, что у них больше жизненного опыта и пережитых сложных ситуаций. Наиболее часто встречающиеся — это внутренний запрет на расслабление, на раскрепощение в присутствии преподавателя. На занятиях скрипкой это сказывается на невозможности сделать руки «мягкими», хотя при этом человек спокойно может расслабить их, условно скажем, «повесив вдоль туловища». Когда в руках оказывается инструмент, то сдерживать начинает страх: уронить инструмент, не справиться с собственными руками — не единожды я слышала фразу «вроде всю жизнь живу с этими руками, а прихожу на урок, и они будто не мои». Что касается вокала, то там порой все еще сложнее: бывали случаи, когда приходилось по два-три урока упрашивать человека… открыть рот. Людям иногда трудно перебороть такого рода дискомфорт, потому как в повседневной жизни при разговоре мы не пользуемся столь активно артикуляцией и не заморачиваемся так сильно над дикцией, в вокале же без этого нельзя.

— По вашему мнению, почему многие преподаватели после колледжей, академий, университетов предпочитают государственным школам все чаще частные?

— На мой взгляд, по причине отсутствия такого объема бумажной волокиты как в государственных школах. Но первое и главное — заинтересованность людей, с которыми ты работаешь. Как раз возвращаясь к вопросу о том, что детей в шесть-семь лет очень часто отправляют в музыкальную школу по принуждению, потому что это больше нужно родителям, чем самим детям. Подобное отношение сильно сказывается на профессиональном настрое педагога, и как последствие — на профессиональном выгорании. Ведь когда все время работаешь с теми, кому это в общем-то не нужно, и пытаешься вложить знания, навыки, умения, частичку себя в конце концов, а это не находит отклика, то все начинает угнетать.
В частной школе каждый урок это всегда что-то новое и интересное, причем как для ученика, так и для самого преподавателя. В работе со взрослой аудиторией по-другому выстраивается субординация, это в любом случае деловой тип отношений, но он имеет большую свободу, чем когда отношения выстраиваются в рамках «ребенок-взрослый». Поэтому со временем учащиеся больше расслабляются, проявляя личностные черты, да еще и когда это представители различных профессий, с которыми я бы не пересеклась в обычной жизни, — вдвойне интереснее.

— Представителей каких профессий?

— Как-то раз ко мне на обучение пришел военный летчик в отставке, ныне он завсегдатай одного из байк-клубов Новосибирска. Человек с такой массой занимательных историй, что не всегда было понятно — кто получает больше пользы от наших занятий. Ему очень нравился процесс обучения игры на скрипке, это был как раз тот случай, когда супруга сделала подарок в виде сертификата на несколько посещений дисциплины. Также это программисты, биофизики, врачи, журналисты — порой задумываешься, как человек из той или иной профессии вообще пришел к скрипке или к вокалу — в любом случае, к искусству
        Но мой самый необычный опыт работы с иностранными студентами — когда администратор оповестила меня о том, что на урок записались ребята с испанскими именами. Сперва я, если честно, подумала «наверное, какая-то шутка», но, как оказалось, нет. Сложность работы заключалась в том, что, во-первых, мы имели дело со скрипкой, а во-вторых — это был дуэт с нуля, с достаточно ощутимой разницей в возрасте брата с сестрой, но при этом мы достигли определенных результатов благодаря заинтересованности с их стороны и желания — с моей. Был опыт работы и с китайским студентом, в каком-то плане это прикосновение к чужой культуре. К сожалению, большую роль играет языковой барьер: даже для иностранных граждан, проживающих не первый год в России, трудно понять все аспекты, касаемые обучения музыке.

— Почему люди приходят заниматься дуэтами?

— Хороший вопрос. Для меня, как для музыканта, который обучался по классической системе, это немножко дико. В занятиях дуэтом очень сложно уделить должное внимание каждому ансамблисту, и уж тем более уследить сразу за двумя парами рук. Возможно, кому-то психологически так комфортнее, кому-то не так страшно, кто-то просто хочет подобным образом проводить время с родственником или другом. В начале такого делового сотрудничества я всегда стараюсь предупредить о более низкой эффективности дуэтных занятий с нуля. Идеальный вариант — начать заниматься по одному, а потом, уже при наличии хотя бы минимальных навыков в отношении инструмента, сводиться в ансамбли — это проще и продуктивнее.

— Инструменты на время уроков предоставляет школа?

— У нас по одной скрипке на каждый филиал — правобережный и левобережный. Скрипка — не самый популярный инструмент, скажем честно: он сложен и специфичен, немногие готовы к трудностям, что предлагает этот инструмент. Но даже в ансамблях работа проходит поочередно, а в дальнейшем либо каждым участником ансамбля приобретается собственный инструмент, либо один инструмент на двоих — вторую скрипку предоставит школа на время занятий.

— Чего нужно избегать ученику, пришедшему на первый урок?

— Избегать стоит завышенных ожиданий от самого себя на первых порах. Большое значение имеет понимание, что ты пришел учиться и тебе в любом случае потребуется на это время. Если что-то идет не так, просишь человека поставить себя на место наставника — допустим, на примере IT — и говоришь: вот ты крутой программист уровня senior, и к тебе в команду попадает новичок, junior, которого нужно обучить. И ты ведешь его, учишь, отмечая все небольшие улучшения в решении поставленных задач, учитывая набор навыков на данный период времени, и не ожидая от него скорости и подхода более высокого уровня. Всему свое время. Так же и тут.

— Как подбираете репертуар? Есть ли обязательная часть с гаммами и техническими этюдами, которых не обойти?

— С репертуаром дела обстоят следующим образом: в самом начале по скрипке это обязательный набор простых, но нарастающих по сложности упражнений в виде этюдов. В системе частного образования «для себя» я против плана а-ля «нам нужно сыграть вот это количество гамм, вот это количество обязательных этюдов и только потом мы будем играть что-то другое». Мне кажется, любому человеку в любом возрасте приятнее в окружении своих знакомых на вопрос «ну как у тебя дела», ответить «я научился играть такую-то красивую мелодию», чем сказать «я классно умею шпарить эти вот четыре упражнения». Репертуар подбираем исходя из пожеланий учеников. Здесь далеко не все хотят играть классику и это нормально, многие предпочитают ей эстрадную, популярную музыку, рок и джаз. Что до вокала, то на первом этапе я всегда прошу составить подборку минимум из десяти песен, чтобы понимать в какую сторону мы будем двигаться, спрашиваю предпочтения по языкам: кто-то категорически не хочет петь на иностранных языках, а кто-то — на русском. Всегда уточняю моменты с перепеванием женщинами мужских песен и наоборот, есть ли личные предубеждения. Если представленная подборка на начальном периоде оказывается слишком сложной, то я срабатываю как стриминговый сервис по подборке музыки, предлагая что-то подобное, но полегче.

— В арсенал обязанностей преподавателя входит только обучение специальному инструменту или же сольфеджио, теория музыки, задания в нотную тетрадь?

— Первое занятие, если у человека нет базы, мы посвящаем теории, но в абсолютно сжатом объеме, который нужен исключительно для чтения нот в пределах скрипичного ключа. Если в дальнейшем человеку становится интересна теория, то мы можем немного углубиться в понятие интервалов, аккордов и т.д. Теория со специальностью связана неразрывно. А что касается вокала, то там нотная грамота необязательна, мы больше работаем на слух, занимаемся артистической стороной, учимся проживать музыку, ведь песня — это всегда история, которую можно прожить, лишь почувствовав себя лирическим героем.

— А как обстоит дело с языками, разбором переводного текста?

— Это обязательная часть. С английским попроще, его знают большинство людей, а вот с пением на французском, испанском, итальянском, немецком языках сложнее: мы разбираем тексты, используем в работе транслитерации, работаем над произношение. В плане вокала у меня был опыт работы с двумя учениками-переводчиками: корректируя их произношение, я, признаюсь, чувствовала себя весьма странно, но люди абсолютно лояльно и спокойно к этому отнеслись, более того, было сразу озвучено «да, я слышу, он поет не так». Нужно понимать, что песенный английский отличен от разговорного.

— Как быть, если человек пришел на вокал и хочет спеть, например, что-нибудь из репертуара Адель или Ланы Дель Рей, но при этом диапазон не позволяет?

— Предлагаю выбрать что-то подобное, но с более простым мелодическим материалом. Девушки, особенно высокоголосые, очень хотят петь Адель и Лану, а у Ланы певческий голос — контральто, и понятное дело опустить голос без предварительной подготовки так просто не получится. Мы можем немного повысить тональность, но звучать песня, конечно, будет уже иначе. Работаем над расширением диапазона, чтобы приблизить голос к желаемому результату, что вполне реально. Но важно помнить о том, что мы никогда не сможем перепеть песни ровно тем же голосом, что в оригинале. Каждый голос уникален и немногие, очень немногие принимают свой голос таким, какой он есть — он может раздражать, казаться странным, поэтому возвращаясь к вопросу об арсенале обязанностей преподавателя — да, также я учу людей принимать и любить свой голос.

— Может ли вокалист быть универсалом — петь и классику, и джаз, и эстраду?

— Не исключаю, что существуют суперпрофи, которые действительно могут быть универсалами, но таких людей единицы. Стопроцентным универсалом стать невозможно, потому что каждая манера накладывает определенный отпечаток и создает «привычку» в звукоизвлечении. Но можно научиться переключаться между двумя манерами — это распространенная история, я сама представитель такого варианта: около десяти лет я пою в допсоставе хора Новосибирского оперного театра и, естественно, там я работаю в академической манере пения. Около полутора лет очень плотно занимаюсь эстрадными вокалом. Благодаря такому переходу я стала на этом специализироваться, очень часто в школу приходят люди, желающие перейти из академического пения в эстрадное. Но, например, сочетать эстраду и фольклорный вокал, так называемый «народный вокал», или академическую манеру с народной будет сложнее, слишком много отличий.

— В ДШИ, ДШМ обучение длится семь лет, в СМШ — одиннадцать лет. Какой промежуток времени уходит на обучение в частной школе?

— Период обучения полностью регулируется учеником в зависимости от его целей и скорости освоения предмета. Если исходить из статистики, научиться играть что-то простое можно примерно за год-полтора, это устоявшийся период времени. Но некоторые приходят, чтобы сыграть конкретное произведение и закрыть свои потребности, гештальты. У нас можно получить также свидетельство об освоении курса в объеме пройденных часов.

— Устраиваете выпускные концерты?

— Да, они проходят у нас дважды в год и для учеников это некий рубеж. Единственное отличие: у нас эти концерты не являются обязательными, они по желанию, при этом с предпрослушиванием, которое помогает и минимизировать показ сыроватых номеров, и понять самому ученику какие эмоции он испытывает от выступления. Для многих выход на сцену — это граница, после которой все меняется в лучшую сторону, появляется азарт и больше уверенности. Но случаются, к сожалению, и обратные случаи, когда человек хотел выйти на эстраду, но все заканчивалось буквально нервным срывом. Предугадать исход невозможно. Последний наш июньский концерт длился более четырех часов и был первым после начала пандемии: пятьдесят четыре номера — от самых юных учеников и старше. Закончился он финальным аккордом — выступлением ансамбля педагогического состава: мы сделали двойную композицию из песен Rammstein и Джесси Джей.

— Как изменилось ваше ощущение себя в преподавании за время работы?

— Стоит начать с того, что преподавание в мою жизнь пришло, наверное, как у многих из репетиторства: у меня была пара учеников вне учебных заведений, в колледже, естественно, педпрактика. В то время мой преподаватель со спокойной душой оставляла на меня своих учеников, мы занимались в формате обычного урока, готовили программу и результаты уже тогда радовали меня и, что было более важно на тот момент, — моего педагога. Еще тогда я поняла, что в целом это интересно, но в шестнадцать лет я совсем не хотела работать преподавателем, и если бы мне тогда сказали, с чем будет связана моя дальнейшая жизнь, я бы посмеялась. Но за счет благодарности учеников, их горящих глаз, желания учиться и обмена эмоциями ты понимаешь — да, это классно.

— Есть ли для вас «путеводные звезды» в этом деле?

— В преподавании скрипки мой образец для подражания — Захар Нухимович Брон. Мне кажется, для многих скрипачей он является примером — как преподавателя, так и исполнителя. Я участвовала в нескольких его мастер-классах, это были самые яркие открытые уроки. Достаточно часто задумываюсь: «А что бы сказал в той или иной ситуации ученику Захар Нухимович».

— Возвращаясь к вопросу о преподавании скрипичной дисциплины: в школе ведь нет направления электроскрипки? Но на летнем концерте вы выступили со своей ученицей дуэтом электроскрипок.

— Направления электроскрипки у нас действительно нет, потому что, например, от той же гитары и электрогитары, электроскрипка отличается от акустической только резонатором. Если у акустической скрипки резонатором является корпус, то у элктроинструмента корпус выглядит иначе, и громкого звука можно достигнуть только при подключении инструмента к аппаратуре. Все остальное аналогично — все те же техники игры, приемы и т.д. Не советую начинать новичкам обучение на электроинструменте просто потому, что такой инструмент гораздо тяжелее из-за электроначинки, и как результат — будут быстрее уставать спина, плечи, руки. Также электроинструмент требует наличия аппаратуры, которая не у всех есть, поэтому выигрышнее заниматься на акустической скрипке. Но если у человека есть база, свой инструмент и желание заниматься в стенах школы — никаких проблем.

— Музыкальные школы для детей, даже если они дальше не идут по этой стезе, можно сказать, открывают новые горизонты понимания мира, а чем занятия музыкой помогают взрослым?

— Для взрослых занятия музыкой это, в первую очередь, внесение разнообразия в свою жизнь и снятие стресса — смена обстановки, возможность посмотреть на мир с другой стороны, научиться чему-то новому, отвлечься от бытовых проблем. Искусство действительно способно на многое: раскрасить жизнь, в сложные периоды «подвытянуть» ее и даже спасти, ведь в творчестве и искусстве человек развивает себя как личность.

Маргарита Мендель, «Новая Сибирь»
Фото из архива Ирины Дмитриевой